Visita guiada
En esta guia hemos destacado algunas de las exhibiciones claves del museo para explorarlas con mayor profundidad. A continuacion puede comenzar su recorrido siguiendo los escritos creados por Louise Irvine, nuestra Curadora y Directora Ejecutiva.
Introducción
Bienvenidos a WMODA, Museo Wiener de Artes Decorativas, donde celebramos las artes del fuego como la cerámica y el vidrio. Nuestra vasta colección abarca siglos y continentes, y nuestras galerías destacan las principales tendencias de diseño, como el Art Nouveau y el Art Déco. Las Tiendas del Museo, primer y segundo piso) exhiben obras de artistas contemporaneos que trabajan en nuestra comunidad.
El Museo fue fundado en 2014 por Arthur Wiener, un apasionado coleccionista de arte cerámico y vidrio de estudio, quien ha donado su vasta colección al museo sin animo de lucro para que un público más amplio pueda compartir el poder inspirador de las Artes del fuego.
Despertaremos su imaginación con lo más destacado de la colección!
Antes de comenzar tenga en cuenta lo siguiente: Abstengase de tocar las exhibiciones. Puede tomar fotografías para su uso personal y le animamos a compartir su visita en nuestras redes sociales. Puede encontrar baños en las dos plantas, al igual que las tiendas del Museo.
1 – El jarrón del Maharajá
Este colosal jarrón es la pieza más grande de nuestra colección, y la más grande jamás fabricada por Doulton’s Lambeth Pottery en Londres. Mide más de 1,8 metros de alto y pesa más de 225 kilos. Fue una de las piezas más difíciles de mover ¡No cabía por la puerta interior! Tuvimos que transportarlo por fuera del edificio alrededor de la manzana bajo la lluvia para que cupiera por las puertas dobles de la entrada principal del museo.
El jarrón fue adquirido en 1893 por el Maharajá de Baroda, un príncipe indio , el sexto hombre más rico del mundo durante la época Victoriana. El amaba Inglaterra y viajaba a Londres con frecuencia para adquirir piezas para decorar su magnífico Palacio Lakshmi Villas, la residencia privada más grande jamás construida en aquella época.
En una visita a Doulton’s Lambeth Pottery, el maharajá encargó varios jarrones y jardineras Faience de gran tamaño, que aún se pueden ver en su palacio hoy en día. La actual Maharani de Baroda se puso en contacto con el museo hace unos años para solicitar información sobre las piezas de su colección. La señorita Florence Lewis decoró este espectacular jarrón con abundancia de flores tropicales. La señorita Lewis era la supervisora del departamento de pintura de Doulton Lambeth Faience, compuesto principalmente por mujeres jóvenes. Ella decoró un jarrón identico que fue la joya de la corona de la Exposición Mundial Columbian de Chicago en 1893 y que ahora se encuentra en el Museo de Ciencia e Industria. En el Segundo piso del Museo se puede ver otro jarrón monumental Faience pintado por Florence Lewis para el Maharajá de Baroda.
2 – Arte en llamas – Dale Chihuly
Esta espectacular pared de vidrio fue creada por Dale Chihuly, el artista de vidrio más influyente de Estados Unidos. A lo largo de su carrera, Chihuly ha trascendido los límites tradicionales del vidrio para crear increíbles instalaciones en edificios públicos y jardines botánicos. El permite que las fuerzas naturales y la gravedad den forma al vidrio fundido y ha experimentado a gran escala con colores dinámicos, luz y translucidez.
Muchas de las instalaciones dramáticas de Chihuly en paredes y techos, incorporan sus formas persas con sus tonos luminosos y sus formas envolventes en espiral. Nuestra pared se realizó en 1996 para la Sala Chihuly en el innovador Restaurante Postrio de Wolfgang Puck en San Francisco. Sus rondeles persas se asemejan a gigantescas flores de pared en un jardín enrejado.
El Restaurante Postrio también exhibió dos pinturas de Chihuly que actualmente se exhiben en esta galería. Sus obras sobre papel son pintadas espontáneamente con una escoba en el suelo. Son importantes fromas de expresión creativa y una manera de comunicar a sus asistentes los conceptos que desea explorar en vidrio.
WMODA también se enorgullece de presentar obras de arte en vidrio de muchos de los mentores, colaboradores y estudiantes de Chihuly, como Lino Tagliapietra, Pino Signoretto, William Morris y Toots Zynsky. Podrás admirar sus obras en nuestra Galería de Vidrio Contemporáneo.
3 – El Jardín de Cristal de Chihuly
Chihuly nació en Tacoma, Washington, en 1941. Aprendió a fundir y fusionar vidrio en 1961 y cuatro años después descubrió el vidrio soplado, que se convirtió en su pasión de toda la vida. Se matriculó en el primer programa estadounidense de vidrio en la Universidad de Wisconsin-Madison y continuó sus estudios en la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde posteriormente impartió clases. Tras recibir una beca Fulbright en 1968, Chihuly se convirtió en el primer soplador de vidrio estadounidense en aprender de los famosos maestros de Murano. Trajo a Estados Unidos muchas de las técnicas que aprendió en Venecia; la más destacada fue el enfoque colaborativo en el soplado de vidrio en equipo.
A finales de la década de 1970, unos accidentes lo dejaron ciego y con un hombro lesionado. Ya no podía soplar vidrio él mismo, así que dirigía a sus maestros vidrieros (gaffers) y sopladores de vidrio como un coreógrafo mas que como un bailarín.
La pasión de Chihuly por el color se refleja en su serie de Macchias, que surgió una mañana de 1981 tras despertarse con ganas de usar los 300 colores de su taller. Dando la impresión de un jardín exhuberante y frondoso con sus gigantescas vasijas ikebanas, llamadas así por el arte japonés de los arreglos florales. El amor de Chihuly por la naturaleza y las flores se arraiga en los felices recuerdos de su infancia en el jardín de su madre. WMODA fue invitado a crear un jardín de Macchias de Chihuly en el National Building Museum en Washington, D. C., cuando el Instituto Smithsonian rindió homenaje a Chihuly en 2016.
4 – El arte de la llama – Paul Stankard
Observa con detalle estos increíbles pisapapeles y esferas de vidrio de Paul Stankard, considerado el maestro estadounidense del trabajo con soplete o llama. En 1972, Paul abandonó su carrera como soplador de vidrio científico, fabricando tubos de ensayo y vasos de precipitados, para crear pisapapeles florales. Puedes ver a Paul trabajando en nuestro video.
El funde finas varillas de vidrio coloreado con un soplete de gas y una llama azul, creando pétalos, pistilos, estambres y tallos perfectos. Los organiza en racimos de flores con herramientas de carbón y pinzas, y los incorpora en una bola de vidrio fundido.
Mientras contemplas el trabajo de Paul en las vitrinas, mira en los espejos para descubrir el mundo debajo de cada pieza. A lo largo de su carrera, Paul ha experimentado con diferentes formatos como columnas, cubos y esferas, en los cuales suspende en su interior sus bouquets de flores para ofrecer a los espectadores diferentes perspectivas. Con los años, también ha ampliado sus perspectivas místicas sobre la fuerza vital, sobre y bajo la tierra. Sus sistemas de raíces a menudo incluyen pequeñas personas o espíritus de la tierra, que evolucionaron a partir de manuscritos medievales que representan raíces de mandrágora con forma humana. Ocasionalmente, abejas y otros insectos revolotean sobre los ramos de flores de Paul, y es difícil creer que no sean reales.
La poesía de Walt Whitman ha sido una influencia significativa en la obra de Paul debido a su compartida reverencia por la belleza de la naturaleza. En ocasiones, se ha inspirado para plasmar sus propios poemas. Paul ha escrito varios libros sobre su trayectoria como artista del vidrio, un logro increíble para un disléxico que luchó durante la secundaria para encontrar su vocación en el arte del vidrio.
Paul es un profesor inspirador sobre el trabajo con soplete y fundó el innovador programa de vidrio en su alma máter, Salem Community College. Ha recibido innumerables reconocimientos, títulos honoríficos y, más recientemente, premios a la trayectoria de toda una vida por la comunidad del vidrio.
5 – Estrellas contemporáneas
El artista local Rob Stern es una de las estrellas de nuestra Galería de Vidrio Contemporáneo, conocido por sus icónicas estrellas de viento y por sus monumentales hojas y conchas. Asi mismo como por sus elegantes tacónes de cristal que están a la venta en el Studio collection, nuestra tienda ubicad en la segunda planta. Rob aprendió a soplar vidrio con maestros como Dale Chihuly y Pino Signoretto de Murano. Ahora, con más de 30 años de experiencia en el taller de vidrio soplado, viaja internacionalmente, enseñando a una nueva generación de artistas del vidrio. Rob compitió en la tercera temporada de Blown Away, el reality de vidrio soplado de Netflix. Puedes verlo en directo en su estudio, a solo diez minutos del museo.
Puedes crear tus propias obras de arte en los talleres de vidrio fundido de Chelsea Rousso, que se imparten regularmente en el WMODA. Observa algunos de los resultados de la experta enseñanza de Chelsea en su instalación “Unidad en la Comunidad”, a la entrada de esta galería. Chelsea descubrió el arte del vidrio después de una exitosa carrera como diseñadora de moda y fabrica artículos de vidrio , incluidos bikinis y corsés, que están a la venta en el Studio Collection nuestra tienda ubicada en el segundo piso.
6 – Hilos de vidrio
El vidrio fundido formado en horno también es la especialidad de Toots Zynsky, quien se formó con Chihuly. Desarrolló su propia técnica utilizando miles de hilos de vidrio, a la que llama filet de verre. El proceso es mas similar a pintar, ya que extiende sus hilos de vidrio de colores sobre una superficie plana, listos para fusionar. Durante la cocción, abre el horno con un traje resistente al calor y manipula las vasijas hasta obtener su forma final.
7- Art nouveau
Esta nueva ubicación del Museo esta en el corazón del distrito de Diseño y Comercio del Sur de la Florida, y nuestra vasta colección de cerámica ha sido interpretada para destacar las tendencias mas importantes de diseño de los últimos dos siglos. El estilo Art Nouveau floreció mundialmente a finales del siglo XIX y alcanzó su apogeo en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1900. El estilo vanguardista, que en francés significa “arte nuevo”, advocaba por integrar el arte en la vida cotidiana. Los diseñadores abandonaron los motivos históricos tradicionales y se inspiraron en el mundo natural como reacción a la creciente urbanización de la sociedad.
Las Aves, flores, árboles e insectos inspiraron formas orgánicas con curvas sinuosas y líneas danzantes. Las libélulas y los pavos reales, con sus colores brillantes e iridiscentes, fueron particularmente populares y adornaron todo tipo de arte decorativo, desde joyería hasta mobiliario. Alfareros innovadores perfeccionaron esmaltes brillantes que reflejaban colores de piedras preciosas y crearon elegantes jarrones y figuras que brillaban bajo las lámparas de gas de la época.
Las representaciones sensuales de la figura femenina también inspiraron las artes decorativas de la época.
Las casas artísticas presentaban figuras de mujeres sensuales con poca ropa, creadas por diseñadores europeos de porcelana. Goldscheider, de Austria, desarrolló un efecto de esmaltado que simulaba el bronce para grandes esculturas de terracota , desarrollando una decoración de interiores más asequible para los amantes del arte.
Las mujeres hermosas tambièn fueron las musas y clientas de René Lalique, el famoso joyero frances del Art Nouveau quien a comienos del S XX dirigió su atención a los frascos de perfume de vidrio. Desarrolló métodos rentables para moldear diseños con figuras en relieve en vidrio, ya que quería que sus diseños de lujo fueran asequibles a todas las clases sociales. La Exposición Art Déco de París de 1925 marcó la cúspide de la carrera de René Lalique como vidriero.
El estilo Art Nouveau floreció en la arquitectura y el diseño de interiores hasta la Primera Guerra Mundial, y los amantes de la belleza compraban en tiendas de moda como Liberty’s en Londres y Tiffany’s en Nueva York.
8- Orgulloso como un pavo real
El Majestuoso pavo real fue la musa del movimiento estético, y sus plumas iridiscentes adornaron la “Casa Hermosa” a finales del siglo XIX. Los gabinetes de caoba de esta sala fueron fabricados por Shapland & Petter, importantes fabricantes británicos de muebles de la época, con incrustaciones de exóticos diseños de pavo real en madera frutal y nácar.
Las alfarerías victorianas produjeron numerosos diseños de pavo real para decorar el hogar estético. William Moorcroft diseñó jarrones Florian Ware con plumas de pavo real a principios del siglo XX. Estas piezas se vendían en emporio londinense Liberty’s especializado en decoración exótica para el hogar. Este estilo revivió casi un siglo después para Libert’ys gracias a Sally Tuffin en el studio Moderno de Moorcroft.
En la Europa del Art Nouveau, el pavo real de porcelana de la fábrica Nymphenburg parecía salido directamente del paraíso, con su espléndido abanico de plumas. La Bella Alada, en el centro de la sala, fue creada por la fábrica de porcelana Lladró en España en 2012 y personifica la belleza celestial.
William Morris, el visionario diseñador del movimiento de Artes y Oficios, incorporó pavos reales en sus diseños textiles. La tela Forest se sigue fabricando hoy por Morris & Company. Las plumas de pavo real inspiraron la hermosa tela de terciopelo de Liberty’s de Londres, introducida por primera vez en la década de 1870 y que aún se vende en la actualidad.
Gracias al Grupo Nessen por gestionar la donación de la tela de pavo real de Morris & Company. Gracias también a Jeffrey Michaels y Fabricut por la tela Hera de Liberty’s.
9 – La Cueva del dragon
El dragón chino controla el agua y el clima, y fue un símbolo cultural del poder del emperador. Los dragones y monstruos híbridos con forma de serpiente han aparecido en la porcelana europea desde el siglo XVIII. La moda por el Estilo artistico europeo de decoración china dio paso al japonismo tras el inicio del comercio con Occidente en el siglo XIX. Las artes y artesanías japonesas causaron sensación en las Ferias Mundiales de las décadas de 1860 y 1870, y nuevas tiendas como Libertys de Londres comenzaron a satisfacer el deseo por todo lo relacionado con Japón.
Christopher Dresser fue el primer diseñador europeo en estudiar en Japón y es considerado un pionero del diseño industrial moderno. Se convirtió en un nombre reconocido en la década de 1870 por sus muebles para el hogar, que incluían textiles y cerámica. Dresser diseñó frascos lunares y jarrones para la fábrica Minton utilizando su brillante esmalte turquesa (Azul celeste) en honor al “Imperio Celestial” de China, de donde se originó.
En la mitología china, las serpientes son llamadas “pequeños dragones”. Despues de miles de años, les crecen alas y se convierten en dragones divinos. Charles Noke, de la fábrica Burslem de Doulton, creó jarrones con dragones dorados para la Feria Mundial de Chicago de 1893. Posteriormente, incorporó dragones exóticos en sus piezas Sung, exhibidas en la pared opuesta. El dramático Rey Dragón de Wedgwood es el jarrón más grande jamás realizado para la colección Fairyland Lustre. Puede ver más de nuestra colección Fairyland Lustre en la Galería Art Déco adyacente.
Las dos esculturas del Great Dragon fueron realizadas en 2012 por Lladró de España para su colección Prestige de porcelana. Agradecemos a Jeffrey Michaels, nuestro vecino de la Avenida 29, por organizar la exposición de la tela Tatsu de Clarence House de Fabricut y a Fran Nessen por el préstamo de la mesa asiática.
10 – Rojo – ¡Las artes del Fuego están de moda!
El rojo es el color del amor, así como tambien del peligro y el pecado. También ha sido símbolo de riqueza y estatus. Las porcelanas esmaltadas en rojo fueron creadas para sacrificios por los alfareros chinos de la dinastía Ming, cuando los rituales imperiales exigían el rojo para la adoración en el altar del sol. El Sang de Boeuf, un esmaltado de color sangre de buey, era venerado por su singular belleza y llegó a conocerse como flambé, nombre francés que significa llama.
En el siglo XIX, los alfareros europeos experimentaron para redescubrir el arte perdido de los esmaltados chinos. Mediante ensayo y error, descubrieron que el cobre produce un color rojo intenso si el horno se ve privado de oxígeno durante un proceso de cocción a altas temperaturas. Sin embargo, era difícil controlar esto en los hornos de carbón, y la creación de una atmósfera reductora con materiales combustibles condujo a resultados impredecibles.
A principios del siglo XX, Charles Noke, director artístico de Royal Doulton, experimentó con esmaltes Flambe de transmutación y añadió compuestos de estaño y hierro para crear brillantes destellos amarillos, azules y morados en los esmaltes de reducción de color rojo cobrizo. Noke bautizó su nueva pieza como Sung en homenaje a la antigua dinastía de alfareros chinos, pioneros en el uso de esmaltes de alta temperatura.
En su afán por convertir la arcilla común en deslumbrantes obras de arte, Noke se comparó con un antiguo alquimista, imagen utilizada en la portada del primer catálogo promocional de piezas Sung, presentado en la década de 1920. La acuarela original puede verse en la pared junto a un jarrón Alquemista. Diseños moteados, veteados y emplumados se combinaron con espectaculares pinturas bajo cubierta de exóticos pavos reales y dragones chinos surcando cielos rojos intensos.
La galería adyacente muestra muchos más ejemplos de esmaltes rojos brillantes de alfareros británicos, incluidos Bernard Moore, Ruskin, Moorcroft y Pilkington.
11 – El Mundo Encantado de Fairyland Lustre
WMODA cuenta con una espectacular colección de porcelana lustre de Fairyland de Wedgwood, que ha cautivado a coleccionistas desde la época del Art Déco. Los europeos, cansados de la guerra, se refugiaron en un mundo habitado por hadas, dragones, diablillos y duendes, visualizados por la diseñadora Daisy Makeig-Jones. Daisy se incorporó a la fábrica Wedgwood como aprendiz de decoradora en 1909, y su colección Fairyland se lanzó en 1915 utilizando los esmaltes lustrosos comerciales, recientemente desarrollados por Wedgwood. Se trataba de preparaciones altamente complejas de compuestos metálicos combinados con aceites y resinas, que se podían aplicar sobre el esmalte. El proceso de decoración de Fairyland era complejo; se necesitaban hasta seis cocciones para lograr los brillantes efectos de arcoíris.
En 1921, Daisy escribió “ Agunos destellos del Pais de las Hadas” (“Some Glimpses of Fairyland”), donde presentó sus versiones de los cuentos de hadas populares de todo el mundo. Muchas de sus imágenes se inspiraron en libros de hadas victorianos y eduardianos publicados durante la época dorada de la ilustración, que tanto adultos como niños disfrutaron. La creencia en las hadas floreció a principios del siglo XX y despertó un gran interés en los diseños de Daisy. La obra de teatro Peter Pan, de James Barrie, presentó a Campanita a un público encantado. En 1917, dos jóvenes de Cottingley, Inglaterra, supuestamente tomaron fotografías de hadas, las cuales causaron sensación tras ser publicadas por Sir Arthur Conan Doyle, creador de Sherlock Holmes. En su vejez, las fotógrafas confesaron haber usado recortes de papel, pero Conan Doyle murió creyendo en las hadas.
Las hadas de Daisy retozan en un crepúsculo celta de bosques fantásticos con árboles y telarañas intrincadamente delineados en oro. Sus hadas no tienen alas de gasa ni vestidos diáfanos, suelen ser gnomos y duendes traviesos, que a veces resultan grotescos. Fantasmas y demonios también rondaban el mundo de fantasía de Daisy. Aunque encantador a simple vista, uno de sus diseños más siniestros presenta burbujas llenas de hadas, que son devoradas por la araña Aracne al ser atrapadas.
La popularidad de Fairyland disminuyó tras la caida de Wall Street de 1929, que provocó el colapso del mercado de lujo. A Daisy le pidieron que se retirara de Wedgwood, pero se negó a irse. Tras una reunión acalorada en 1931, salió furiosa, ordenando a su asistente que destrozara todos los jarrones y cuencos de su estudio. Hoy en día, la cerámica lustre de Fairyland es tan esquiva como las propias hadas.
12 – Flappers, Vampiresas y Divas
El estilo Art Déco es particularmente importante para el sur de Florida. La ciudad de Hollywood se fundó en 1925, en los inicios de esta emocionante nueva era, que se celebra en esta galería. El estilo Art Déco surgió en la Feria Mundial de París de 1925 y se caracterizó por una decoración abstracta con formas geométricas inspiradas en máquinas y objetos manufacturados. Los rascacielos Art Déco competían por dominar el horizonte de Nueva York, mientras que en Miami Beach, la arquitectura Art Moderne introdujo curvas aerodinámicas e influencias náuticas inspiradas en los transatlánticos de la década de 1930.
Los felices años veinte inspiraron las figuras de porcelana de Royal Doulton, Goldscheider, Rosenthal y muchas otras fábricas europeas. Sus flappers, vampiresas y divas muestran la moda de la danza con velo y los espectáculos de cabaret burlesque en la era del jazz. El Ballet Ruso de Diaghilev causó sensación en Europa con su danza rítmica, su coreografía radical y el fantástico vestuario de Leon Bakst, adaptado por los amantes de la fiesta.
El sufragio femenino se logró en Gran Bretaña y Estados Unidos en 1920, y las jóvenes se deshicieron de los corsés, impulsadas por el modisto francés Paul Poiret. Este abogó por una silueta natural utilizando una faja flexible para comprimir las curvas. A mediados de la década de 1920, un acortamiento drástico de las faldas dejó al descubierto las piernas de las mujeres como nunca antes, escandalizando a las generaciones mayores, y el Cabello en Estilo Bo o corto al estilo masculino.
Tomar el sol en la playa y en la piscina se puso de moda en la década de 1920, y el baño mixto se volvió socialmente aceptable. Las generaciones más jóvenes lucieron nuevos trajes de baño ajustados, pero la policía de la decencia recorría las playas con varas de medir para garantizar el pudor en sus trajes. La década de 1930 fue la “Edad de Oro de Hollywood”, y las sensuales fotos de las estrellas en las pin-ups presentaron un nuevo concepto de glamour. Las mujeres elegantes lucieron ceñidos vestidos de satin y faldas que llegaban hasta los tobillos. El Código de censura Hays de Hollywood a principios de la década de 1930 anunció un nuevo clima moral y los glamorosos años treinta reemplazaron a los locos años veinte.
13 – Una Vida Colorida – Clarice Cliff
Clarice Cliff fue la diva de la industria cerámica británica durante la era Art Déco. Comenzó su carrera en la industria cerámica como doradora a los 13 años y ascendió a directora artística de la compañía en 1930, a los 31 años: ¡Un ascenso meteórico!
La cerámica Bizarre de Clarice se presentó en 1927 en Newport Pottery en Stoke-on-Trent. Sus exuberantes diseños en naranja, amarillo y verde se hicieron muy populares entre las amas de casa británicas, animando sus monótonos entornos tras el trauma de la Primera Guerra Mundial. Un año después del lanzamiento de la cerámica Bizarre, Clarice supervisaba a 70 jóvenes que pintaban a mano nuevas formas geométricas y angulares que ella misma diseñaba.
Clarice Cliff se inspiró tanto en el arte contemporáneo como en la naturaleza. Los rayos de sol brillan a través de árboles estilizados, y los motivos egipcios de la tumba de Tutankamón se mezclan con abstracciones de estilo cubista. Clarice fue conocida como la “Chica del Sol” y la demanda de sus diseños continuó durante la década de 1930 a pesar de la Gran Depresión. Además de diseñar jarrones ornamentales y vajillas para el té, Clarice modeló piezas figurativas, incluyendo máscaras para colgar en la pared, que se pueden ver en la pared adyacente.
Las “Chicas Bizarre” de Clarice ofrecieron demostraciones de pintura con batas de artista y boinas francesas en grandes almacenes como Harrods y Selfridges. Las oportunidades para fotografiarse con celebridades de la época y otras novedosas estrategias de marketing le dieron una publicidad sin precedentes en la prensa nacional. El público quedó fascinado con esta joven profesional de la década de 1930, una de las primeras directoras de arte en la industria cerámica y una de las primeras en ponerle marca a su trabajo. La producción de Clarice fue impresionante hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial en 1939.
La colorida historia de Clarice se narra en la película El cuarto del color (“The Colour Room”)
Regrese al pasado y explore el arte cerámico de la época de la Regencia y la época victoriana en la segunda planta. Puede tomar el ascensor al final de esta sala o las escaleras que se encuentra en la recepción.
14 – El Rey León
Nuestro Rey León fue modelado por John Broad en la Fábrica Cerámica de Doulton de Lambeth en 1904. La estatua de terracota se creó como parte de un monumento para la Reina Victoria tras su fallecimiento en 1901. Terracota significa literalmente “tierra cocida” y se usaba ampliamente con fines arquitectónicos. El Estudio de Doulton se especializaba en la fabricación de adornos de terracota para edificios y en Lambeth contaba con hornos muy grandes para cocer esculturas monumentales. Observarán que el enorme león de terracota se fabricó en dos piezas para que entrara en los hornos.
John Broad también modeló detalles arquitectónicos para edificios y uno de sus encargos más famosos fue el de los grandes almacenes Harrods de Londres el cual se encuentra completamente revestido de terracotta de Doulton. Los artistas principales de Doulton también produjeron estatuas de terracota que adornaron parques públicos y jardines privados. Nuestra colección abarca desde musas clásicas de la época Victoriana hasta duendes juguetones de la década de 1920.
La estatua de Cupido cabalgando sobre un delfín fue diseñada por George Tinworth como parte del diseño de una fuente para la Feria Mundial de Filadelfia de 1876. La terracota era el material perfecto para adornos de jardín, ya que se elaboraba con la tierra de la que brota toda la vida vegetal. Se utilizaba para urnas de jardín y bebederos para pájaros; incluso nuestro banco con esfinges está hecho de terracota Doulton.
15 – El Movimiento de Artes y Oficios
“No tengas nada en tu casa que no sepas que sea útil o que creas que es bello” era el mantra del célebre reformador del diseño victoriano William Morris. Tras la Gran Exposición de 1851, Morris lideró el Movimiento Británico de Artes y Oficios y fundó una empresa con sus amigos artistas que utilizaba artesanías preindustriales para decorar hogares victorianos.
El Movimiento Estético también influyó en el diseño de interiores a finales del siglo XIX y se rebeló contra los diseños sin alma producidos por máquinas. La cerámica artística hecha a mano era admirada por reflejar la visión de su creador y desempeñaba un papel esencial en la creación de un hogar artístico.
Henry Doulton comenzó a experimentar con objetos artísticos en 1871 utilizando la pasta de gres esmaltado a la sal, típica de las tuberías de desagüe y artículos industriales. La nueva cerámica artística tuvo una gran acogida en las exposiciones internacionales de la época y se ganó la admiración de la reina Victoria. Para la década de 1880, el estudio Doulton empleaba a más de 300 mujeres que decoraban jarrones y placas de pared, y Sir Henry Doulton logró que para las mujeres fuera socialmente aceptable ganarse la vida en las artes decorativas. En esta galería se pueden ver algunos de los diseños de exposición más espectaculares de Doulton, realizados por las señoritas Hannah Barlow y Florence Lewis, las artistas más destacadas.
A principios del siglo XX, los compradores sofisticados frecuentaban el emporio Liberty en Londres para adquirir los diseños más novedosos. William Moorcroft lanzó su exitosa cerámica Florian en 1897, y tuvo tanto éxito que Liberty le ayudó a construir su propia fábrica, que aún hoy produce hermosa cerámica artística, más de un siglo después.
16 – Humor Victoriano – Los hermanos Martin
Tres hermanos de la familia Martin produjeron algunos de los diseños más extraños del Movimiento de Artes y Oficios Victoriano. Trabajaron juntos en su estudio de Southall, Londres, desde 1877 hasta principios del siglo XX. Robert Wallace Martin era escultor de formación y trabajaba con terracota y loza, como alternativas más económicas a la piedra. Walter Fraser Martin se encargaba del torneado de los jarrones y de la cocción de la loza vidriada con sal. Edwin Bruce Martin decoraba jarrones con diseños incisos de dragones, flores y fabulosos peces. Sus escenas submarinas supuestamente se inspiraron en relatos fantásticos de la vida microscópica en el contaminado río Támesis. Otro hermano, Charles Martin, vendía las obras en la tienda londinense de la familia hasta que fue destruida por un incendio en 1903.
Robert Wallace Martin es conocido por sus jarrones pintorescos con formas de ave con expresiones caprichosas, también conocidos como pájaros Wally. Representan figuras profesionales familiares para la época victoriana, como generales, almirantes, jueces y abogados. Decorados con diversos esmaltes y, en algunos casos, la cabeza del pájaro giraba, lo que añadía humor del tema. Las fantasías más descabelladas de Wallace incluían diablillos, duendes, reptiles y extrañas bestias híbridas, que evocaban los bujums y snarks del Libro de los Disparates de Edward Lear y las maravillosas criaturas de Lewis Carroll de Alicia en el País de las Maravillas. Se decía que Lear, Carroll y Martin tuvieron sueños similares, pero Wallace los soñó en arcilla y los bautizó con fuego.
Los jarrones con rostros burlones y muecas de Robert Wallace Martin, también eran populares entre los clientes más intrépidos. Su inspiración fue Jano, el dios bicéfalo de la antigüedad romana, y las máscaras de Baco, Pan y Sátiros. El estudio de los hermanos Martin sobrevivió a la Primera Guerra Mundial en 1914, cuando para ese tiempo ya tres de los hermanos habían fallecido. Robert Wallace, el mayor de los hermanos, vivió hasta 1923.
17 – Sermones en Terracotta
Esta monumental escultura de terracota fue modelada por George Tinworth en la Alfarería de Doulton Lambeth en 1885. Representa a Sansón, líder de los antiguos israelitas, cuya historia se narra en la Biblia. El panel muestra a los filisteos tomando el cabello de Sansón mientras Dalila se burla de él. El peculiar sentido del humor de Tinworth se aprecia en el mono risueño que se esconde en el jarrón y en el subtexto. Si se observa con atención bajo el título, se encontrará un mensaje oculto: «Qué esperar si se junta con malas compañías».
George Tinworth creció en una familia pobre con fuertes creencias cristianas. La Biblia era su texto diario y recibió escasa educación formal. Se formó como escultor en la Escuela de Arte de Lambeth y en las Escuelas de la Real Academia. Fue el primer artista en conseguir trabajo en la fábrica de Doulton. Los paneles bíblicos, conocidos como sus “Sermones en terracota”, fueron el enfoque principal de Tinworth a lo largo de su carrera.
Sin embargo, para distraerse de sus prestigiosos encargos, se divertía con pequeños modelos de ratones que participaban en pasatiempos victorianos populares. Al parecer, no soportaba atrapar a los traviesos roedores que invadían su estudio, así que les dio personalidades humanas. Los ratones de Tinworth toman té, se van de vacaciones e incluso se emborrachan. Sus ranas suelen practicar deportes. Henry Doulton estaba particularmente estusiasmado con estas pequenas y divertidas figuritas de animales y las encargó como tema de conversación como soporte para menús y tarjetas de mesa para sus amigos y familiares.
18 – Cerámica Artística
Este cuadro de azulejos de Minton es una de las obras de arte más admiradas del museo. La pequeña niña es consolada por su perro mientras pasa el tiempo de castigo en las escaleras. Esta inspirado en el óleo del británico Rivière titulado “Simpatía”, expuesto en la Real Academia en 1878. Rivière alcanzó una inmensa popularidad entre el público victoriano por sus pinturas de animales.
El Estudio de Cerámica Artística de Minton se fundó en Kensington Gore, Londres, en 1871. Unas veinte jóvenes trabajaban allí decorando placas, azulejos, jarrones y frascos con diseños de artistas famosos. El estudio londinense fue destruido por un incendio en 1875, pero la pintura a mano sobre cerámica continuó en la fábrica de Minton en Stoke-on-Trent.
La pintura sobre cerámica también se puso de moda entre los artistas aficionados en la década de 1870. Las principales tiendas de porcelana de Londres dictaban clases de pintura sobre piezas cerámicas sin pintar y otros materiales proporcionados por las alfarerías de Staffordshire. Howell y James abrieron una galería para exposiciones anuales, y más de 1000 obras se exhibieron en su muestra de 1878, que atrajo a más de 10.000 visitantes en dos meses. La moda de la pintura de cerámica era tan intensa que las artistas fueron parodiadas en la prensa. Las caricaturas de George du Maurier sobre la Chinamanía para la revista Punch satirizaban sus esfuerzos.
Los azulejos y placas de cerámica enmarcados eran muy populares como los tapices en los salones victorianos, por su practicidad y su ornamentación. A diferencia de las pinturas al óleo y las acuarelas, nunca se desvanecían y se limpiaban fácilmente del hollín y la suciedad del carbón y las lámparas de aceite. Las cortinas de la sala fueron diseñadas por William Morris, quien fundó una empresa junto con sus amigos artistas que utilizaban artes y oficios preindustriales para decorar hogares victorianos. Las telas de Morris & Company siguen siendo populares hasta el día de hoy, y dos de sus patrones favoritos, Strawberry Thief y Bullerswood, han sido donados a WMODA por Sanderson Design Group.
19 – Las Alfarerías de Staffordshire
El mural de azulejos exhibido representa las Alfarerías de Staffordshire en tiempos de prosperidad. Fue diseñado por Philip Gibson, de la Fabrica Cobridge, para conmemorar el nuevo milenio en el año 2000. Solo se fabricaron dos paneles,iguales y el otro se conserva en Stoke-on-Trent.
Al contemplar el mural y el vídeo, se transportarán a la humeante Stoke. En el siglo XIX, el horizonte estaba dominado por miles de hornos de botella que emitían una densa humareda que envolvía las seis localidades de las Alfarerías. Stoke, Burslem, Hanley, Longton, Tunstall y Fenton se fusionaron para formar la ciudad de Stoke-on-Trent en 1910. Para la década de 1950, la combustión de carbón se había sustituido por gas y electricidad, y los hornos de botella que aún se conservan se conservan hoy en día en museos y centros patrimoniales.
Las alfarerías de Staffordshire han sido el corazón de la industria cerámica británica desde el siglo XVII. La riqueza de recursos de la región, como arcilla, sal, plomo y carbón, permitieron la producción de cerámica a gran escala. En el siglo XVIII, el sistema de canales de James Brindley revolucionó el transporte, permitiendo que las materias primas y los productos terminados se transportaran eficientemente desde los pueblos de The Potteries hasta los puertos ingleses a través de los ríos Trent y Mersey. Esta infraestructura, combinada con la importación de arcillas blancas de alta calidad de Cornualles y el espíritu innovador de los alfareros, propició un auge en la producción de vajillas y objetos ornamentales, muchos de los cuales se exportaron a la América colonial.
Peggy Davies modeló las figuras de terracota de la vitrina inferior en la década de 1980 para celebrar las industrias tradicionales de The Potteries. El alfarero está moldeando una vasija de arcilla en su torno. Los jarrones Moorcroft se crearon para celebrar el paisaje urbano de Potteries y conmemorar el centenario de su fábrica de Cobridge en 2013. La fábrica sigue en funcionamiento, y su horno de botellas, aún en pie, ocupa un lugar destacado en sus evocadores diseños. Puede admirar algunos de sus prestigiosos jarrones y ver un vídeo sobre la producción de cerámica de Moorcroft en las galerías adyacentes.
20 – El Exito Rotundo – El Jarrón Diana por Doulton
El Jarrón de Diana es una obra maestra de Charles Noke. Se diseñó inicialmente en el estudio de Burslem de Doulton en Staffordshire para la prestigiosa Exposición de Chicago de 1893. Tuvo tan buena acogida que se fabricó otro, el que se exhibe aquí en el Museo, para la Exposición de París de 1900. Una figura de Diana, la diosa romana de la caza, corona este magnífico diseño de estilo renacentista. Un lado, pintado por Frederick Hancock, representa a Orfeo encantando a los animales con la música de su lira. El otro lado, pintado por George White, representa a Orfeo y Eurídice, el cual intenta resucitar a la ninfa del roble con su música. Wiliam Skinner adorno este jarrón con oro de 22 quilates.
La importancia histórica del Jarrón Diana es significativo. Las mejores piezas de Doulton se exhibieron en las Ferias Mundiales de principios del siglo pasado. La Exposición de Chicago fue aclamada como “el mayor triunfo de Henry Doulton”, lo que le valió siete de los premios más importantes de la exposición, la mayor cantidad otorgada a cualquier empresa alfarera. Como testimonio de su excelencia, la compañía Doulton recibió la Orden Real de Nombramiento del Rey Eduardo VII en julio de 1901, junto con el permiso del Rey para usar el título “Real” al describir sus Alfarerías y Manufacturas.
Los triunfos de Royal Doulton en las exposiciones continuaron en la Exposición de San Luis de 1904. Su destreza artística se exhibió en jarrones monumentales, que sirvieron de lienzo para el magnífico talento de los prestigiosos pintores de Royal Doulton, como George White, Charles Beresford Hopkins y David Dewsberry. Estas notables obras de arte pueden admirarse en las galerías de nuestro museo.
21 – El jardín Secreto – Mayólica Victoriana
Los invernaderos victorianos eran un símbolo de lujo, y el orgullo de los adinerados terratenientes que competían por crear las casas botánicas de vidrio más impresionantes junto a sus casas de campo. Estas imponentes estructuras de cristal albergaban delicadas plantas exóticas. En invierno, ofrecían un espacio sereno para que las damas de compañía conectaran con la naturaleza y se dedicaran a la jardinería. En verano, se transformaban en vibrantes salones de baile en la jungla, donde se celebraban meriendas e incluso se utilizaban como lugares para encuentros románticos y propuestas de matrimonio.
El alto impuesto al vidrio se abolió en Gran Bretaña en 1845, abriendo camino a una nueva era de invernaderos. La llegada de la fabricación de vidrio laminado y la construcción en hierro fundido puso estas estructuras, antes exclusivas, al alcance de la clase media. Estos avances tecnológicos se exhibieron en el Crystal Palace de Londres, sede de la Gran Exposición de 1851. La nueva mayólica de Minton se estrenó en este evento mundial. Su cerámica de vibrantes colores se inspiró en el alfarero francés del siglo XVI, Bernard Palissy, y en la pared se pueden apreciar homenajes victorianos a sus técnicas realistas de modelado.
Minton contrató a los mejores escultores para crear sus monumentales piezas de mayólica y trajo al renombrado escultor Ernest Carrier Belleuse desde Francia para crear obras maestras como la jardinera de Sirena ubicada en el pedestal en el centro de la pared. Este impresionante diseño se exhibió en varias Ferias Mundiales a finales del siglo XIX para demostrar el talento artístico de Minton. Esta jardinera perteneció a Warner Brothers y apareció en su película Annie de 1982. Era la pieza central de la mesa del comedor en la casa del multimillonario Oliver “Daddy” Warbucks como símbolo de su riqueza.
Varias alfarerías británicas se especializaron en la producción de asientos, mesas y jardineras para el invernadero victoriano, entre ellas George Jones y Royal Doulton. Más recientemente, Moorcroft Pottery en Stoke-on-Trent ha creado tableros de mesa con azulejos para la decoración del jardín, como la exhibida en el centro de nuestro invernadero.
22 – Cerámica Artística: Pasado y Presente
La cerámica artística sigue prosperando en Gran Bretaña hoy en día, como se puede apreciar en estas tres exposiciones. La cerámica Moorcroft, en Staffordshire, utiliza procesos de decoración tradicionales para crear sus magníficos jarrones Prestige. Se aplican contornos en relieve a la superficie de la cerámica, exprimiendo arcilla líquida de una pequeña bolsa de goma, de forma similar a como se decora un pastel. Puede ver a los decoradores de Moorcroft trabajando en el vídeo.
William Moorcroft dominó la técnica del revestimiento tubular (tube lining) para sus piezas de arte Florian, que hicieron su debut internacional en la Feria Mundial de San Luis de 1904. Su éxito inspiró al joven diseñador a abrir su propia fábrica en Cobridge, la cual sigue operando y lleva más de cien años produciendo cerámica artística de forma continua.
El gran jarrón del centro se diseñó en el moderno estudio de Moorcroft para conmemorar el memorable día de 1913 en que William Moorcroft caminó con 34 dedicados empleados hacia su nueva fábrica de vanguardia. El jarrón incorpora los icónicos hornos de botella y flores simbólicas que florecen a los pies de William Moorcroft mientras se acerca a su nuevo edificio.
Sally Tuffin fue directora de diseño del moderno estudio de Moorcroft antes de establecer su propio taller de cerámica en Somerset. Desde 1993, ha guiado al talentoso equipo de Dennis Chinaworks para producir sus distintivos diseños utilizando técnicas tradicionales de cerámica inspiradas en el Movimiento de Artes y Oficios.
Los monumentales jarrones de la exposición central muestran el magnífico talento de los galardonados artistas de Royal Doulton en las Ferias Mundiales de Chicago y San Luis. Sir Henry Doulton animó a sus artistas a crear sus mejores obras para estos eventos internacionales con las conmovedoras palabras: «Sé el primero o no lo seas, porque ser segundo es no estar en ninguna parte». Sin duda, estas palabras marcaron su esencia, como se puede apreciar en las pinturas pastorales de Charles Beresford Hopkins, las etéreas doncellas de George White y las orquídeas de David Dewsberry. El documental The Royal Doulton Story, protagonizado por Patrick Macnee, de Los Vengadores, se puede ver en la pantalla.
23 – Regencia y el Mundo de Wedgwood
Las piezas más antiguas de la colección de WMODA fueron creadas por Wedgwood y se exhiben en nuestra Galería Regencia. Cuando Jorge, Príncipe de Gales, se convirtió en Regente en 1811 debido a la inestabilidad mental del rey, el mecenazgo del príncipe hacia las artes y sus gustos extravagantes dieron origen a una nueva era artística. Esta fue una época de elegante refinamiento, en la moda y la decoración de interiores inmortalizadas en las novelas de Jane Austen. A la vanguardia de la revolución del consumo se encontraba la Cerámica de Wedgwood, cuya sala de exposiciones londinense se convirtió en un destino para la élite social. Comprar se transformó en una actividad cultural.
Josiah Wedgwood, el alfarero pionero y emprendedor creativo del siglo XVIII, dejó una huella imborrable en la industria. Sus experimentos sistemáticos en su fábrica de Staffordshire produjeron nuevas cerámicas, incluyendo cerámica color crema, basalto negro y Jasper ware, que decoró al estilo neoclásico el cual estaba de moda. Estatuas, bustos de dioses y héroes de la antigua Grecia, se reproducían en la pasta de basalto negro para decorar interiores de estilo neoclásico, especialmente bibliotecas. Visite la exposición de basalto negro en nuestra Biblioteca Wedgwood.
La cerámica Jasper ware, la invención más famosa de Josiah Wedgwood, es una pasta de gres blanco denso teñida con óxidos metálicos para crear una diversa paleta de colores. Para 1776, tras años de meticulosa experimentación, Wedgwood había perfeccionado el icónico tono azul que ahora lleva su nombre. Como podrá ver aquí, la cerámica Jasper ware no es solo azul; también se fabricaba en tonos marfil, amarillo, verde, lila, carmesí y negro, y se decoraba con adornos blancos en relieve aplicados a mano llamados “sprigging”. En la actualidad Wedgwood sigue fabricando piezas en una variedad de colores.
En 1848, Wedgwood perfeccionó su cerámica de Carrara, nombrada así por el mármol italiano. La porcelana estatuaria blanca mate fue desarrollada inicialmente por las fábricas Minton y Copeland, y también se conocía como cerámica de Paros, por el mármol procedente de la isla griega de Paros. Las figuras y bustos de cerámica de Paros fueron encargados a destacados escultores por las Asociaciones de Arte Victorianas, que actuaban como mecenas del arte en nombre de sus miembros. Esta era una forma asequible para que los victorianos adquirieran arte.
Echa un vistazo a los inusuales objetos de cerámica de basalto negro y Jasper ware en la vitrina Wearable Wedgwood y adivina qué son. Sorprendentemente, son tacones de zapatos fabricados para la empresa Rayne en las décadas de 1950 y 1970.
24 – Cheers – Salud! – El arte de la hospitalidad
Desde la época medieval, la Buena salud (Good Cheer) se ha asociado con rostros felices, festividades, hospitalidad y abundancia de comida y bebida. En los locos años veinte, “Cheers” (Salud) también se convirtió en un brindis acompañado de un tintineo de copas. El té fue descrito por primera vez como “la taza que alegra pero no embriaga” en un artículo médico del siglo XVIII. El autor argumentaba que el té proviene de la naturaleza y es saludable, a diferencia de los licores fermentados.
El consumo de té se importó a Inglaterra desde China durante el siglo XVII, y las damas aristocráticas lo tomaban después de cenar en sus hogares. Se atribuye a la duquesa de Bedford la introducción del té inglés de la tarde en la década de 1840, tras experimentar una sensación de decaimiento entre comidas. Salpicado con escándalos y rumores, el té de la tarde se convirtió en un pilar de la vida social inglesa. Esta bebida se convirtió en la favorita del país cuando en la India se cultivó un té más asequible.
Los estadounidenses desarrollaron una predilección por el té helado, que debutó en la Feria Mundial de San Luis de 1904. Unos años más tarde, la bolsa de té fue descubierta accidentalmente por un comerciante de Nueva York, quien envió muestras de sus mezclas en bolsitas de muselina de seda y descubrió que se usaban para preparar el té sin el desorden de las hojas.
Tanto si bebe té, café, vino, cerveza o algo más fuerte, ¡le deseamos un gran brindis!
Antes de salir de la galería, observe el gabinete de jarras de personajes o jarras Toby, verá una de Royal Doulton con el personaje de el mago Merlín. Esta fue la primera pieza que Arthur Wiener compró en un viaje a Londres en 1965. Merlín sin duda hechizó a Arthur, quien ha creado una colección de primera clase para WMODA.
25 – Arte y diseño cerámico de Ardmore
Esta magnífica jarra celebra los primeros 30 años del estudio de Arte Cerámico Ardmore en Sudáfrica, con íconos de los éxitos de los artistas y conmovedoras referencias a sus luchas. La pieza fue esculpida en 2015 por Sfiso Mvelase y pintada a mano por Elvis Mkhize. El asa de serpiente representa la sinuosa y ardua trayectoria de Ardmore, que comenzó en 1985 cuando Fée Halsted comenzó a trabajar en cerámica con una joven zulú, Bonnie Ntshalintshali. Su éxito atrajo a otras mujeres a Ardmore, brindándoles un medio para ganarse la vida. La venta de sus obras ha contribuido a impulsar a esta remota comunidad.
El Estudio Ardmore fue devastado por el VIH/SIDA, y más de 30 artistas murieron por enfermedades relacionadas con el SIDA en la década de 1990, incluyendo a Bonnie. Una de las imágenes más conmovedoras de la jarra es la de Punch Shabalala siendo llevada a casa desde el hospital, casi muerta. Afortunadamente, tuvo una recuperación sorprendente y ahora es la pintora más respetada del estudio.
En Ardmore, más de 50 artistas colaboran bajo la dirección de Fee, cada uno aportando habilidades y perspectivas únicas para crear piezas únicas. Estas obras de arte, modeladas y pintadas a mano individualmente, rebosan de vida a medida que los animales de safari emergen de la exuberante vegetación para formar peculiares jarrones, soperas y teteras. La colección también presenta emocionantes formas de arte escultórico inspiradas en el folclor zulú y las tradiciones tribales. Los artistas trabajan con el espíritu de Ubuntu, que significa “somos gracias a los demás”.
La colección Ardmore Design se lanzó en 2010, marcando un nuevo y emocionante rumbo para el estudio de arte cerámico. La colaboración de Ardmore con Hermès, la marca francesa de lujo, comenzó en 2013 con una colección de pañoletas de seda. Desde entonces, los diseñadores gráficos de Ardmore han plasmado la distintiva imaginería y el carácter lúdico de la cerámica en telas y muebles de lujo, como sofás, pufs y cojines. La colección de artículos de mesa incluye manteles, caminos de mesa y servilletas para cenas formales, e individuales y posavasos de melamina para reuniones informales.
La colección de Ardmore Design está a la venta aqui en WMODA, y todas las compras benefician al museo y a la comunidad de Ardmore.
26 – Artistas de Cerámica contemporánea
Arthur Wiener, nuestro fundador y benefactor, comenzó a coleccionar cerámica británica en la década de 1960 y su colección incluye importantes empresas, como Royal Doulton y Wedgwood, así como ceramistas de estudios independientes. Algunos de sus artistas contemporáneos favoritos se han inspirado en ceramistas del pasado.
David Burnham-Smith fue un experto restaurador de cerámica victoriana y revivió sus técnicas de decoración en su trabajo de pintura minucioso. Andrew Hull estudió la obra de los hermanos Martin y continúa su tradición hoy en día con sus peculiares jarrones con forma de pájaro. Tras una carrera como ilustradora infantil de gran éxito, Michele Coxon se formó como escultora de cerámica. Crea cuadros extravagantes que recuerdan a las figuras planas de Staffordshire.
El mundo de la naturaleza también ha inspirado a muchos ceramistas contemporáneos. Roger Cockram, biólogo, se inspira en la vida marina para su vigorosa cerámica cocida en horno de leña. Maureen Minchin trabaja en las Tierras Altas de Escocia, plasmando la flora y fauna de estas remotas tierras salvajes en cerámica. Los estudios de Nichola Theakston sobre primates ilustran su profundo conocimiento del comportamiento animal.
Arthur Wiener también colecciona obras de artistas estadounidenses como Rose Cabat. Antes de su fallecimiento en 2015, Rose era la ceramista de mayor edad de Estados Unidos y aún trabajaba en su torno al cumplir 100 años. Sus “Feelies” la convirtieron en una estrella del Movimiento Moderno de Mediados de Siglo.
Fin del tour
Gracias por visitar WMODA. Esperamos haber despertado su imaginación con las Artes del Fuego.
Antes de irse, le invitamos a explorar la tienda del Museo en la primera planta y el Studio Collection en la segunda planta. Allí podrá adquirir obras de arte únicas de artistas de nuestra comunidad y del extranjero. También puede encargar diseños personalizados a través de WMODA, sabiendo que sus adquisiciones benefician a los artistas y al museo. Para más información, dirijase a alguno de los vendedores de la tienda.
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